Slide
Slide
Slide
banner Gazzetta Italia_1068x155
D65D23F0-5118-40F3-8E6E-B245329083A1
OILO_baner_media_KW 23'_no.2-06 (1)
Bottegas_baner
Banner_1068x155
LODY_GAZETTA_ITALIA_BANER_1068x155_v1

Home Blog

L’uomo che ha salvato la Torre Pendente

0
fot. Matteo Bertolin

traduzione it: Agata Pachucy

Nell’ottobre del 2023 l’opinione pubblica italiana ha trattenuto il fiato. Il simbolo della città, la torre Garisenda nel centro di Bologna, rischiava di crollare. I media hanno ricordato la situazione di Pisa, dove negli anni Novanta una pericolosa inclinazione della torre minacciava una disastrosa caduta. Uno dei protagonisti di quest’ultima storia era il professore dell’Università di Torino Michał Jamiołkowski.

Le torri venivano costruite nell’Italia medievale per due motivi: per proteggere il ricco proprietario da eventuali rapine e per sottolineare il suo status sociale. Nella storia dell’Italia settentrionale, i crolli di alte torri erano piuttosto comuni. A volte, per evitare la catastrofe, si riduceva l’altezza delle torri traballanti, ma nel caso della torre di Pisa questa soluzione non era praticabile.

In questo caso, i metodi standard non hanno avuto successo. Una dopo l’altra, dieci squadre hanno provato a salvare il monumento. Ovviamente, le autorità della città non erano affatto intenzionate a raddrizzare la torre completamente. Alla fine, il compito è stato affidato a Jamiołkowski, che ha guidato una squadra di dieci specialisti. Sono stati utilizzati metodi innovativi per consentire alla forza di gravità di “raddrizzare” la struttura. La struttura è stata finalmente stabilizzata e, dopo undici anni, è stato annunciato il completamento positivo dei lavori. Un’indagine di follow-up nel 2020 ha dimostrato che il comune non dovrebbe avere problemi con il suo monumento per altri 300 anni.

Il professor Michał Jamiołkowski è diventato un eroe nei media italiani e gli è stato assegnato il titolo di cittadino onorario di Pisa. Questo straordinario ingegnere e geologo era noto anche nell’ambiente sportivo polacco, perché negli anni Cinquanta giocava a pallacanestro per la squadra Polonia Warszawa e, secondo le statistiche del club, segnava una media di sei punti a partita. Così come lo sport forma le migliori qualità di una persona, ovvero la costanza nell’azione e l’impegno per vincere, il lavoro di quest’uomo fuori dal comune lo ha portato a raggiungere le vette della professionalità nell’affrontare i progetti ingegneristici più impegnativi degli ultimi anni.

Jamiołkowski, scomparso lo scorso luglio, sarà ricordato dai polacchi come un atleta e un ingegnere eccezionale, mentre gli italiani lo ricorderanno come l’uomo che ha salvato la Torre di Pisa.

La ciociara, l’ultimo film neorealista

0
Matka i córka / La ciociara

Si dice che di solito un adattamento cinematografico non sia mai all’altezza dell’originale letterario. Tuttavia ci sono adattamenti che non solo sono alla pari con il contenuto artistico del libro, ma che diventano opere d’arte indipendenti. Tra questi rientrano senza dubbio film come: Il Padrino, Via col vento o Apocalypse Now (tratto da Cuore di tenebra). Questo aspetto riguarda pure i lavori di uno dei più grandi scrittori italiani del Novecento: Alberto Moravia dalle cui opere furono realizzati una trentina di film girati in gran parte da registi famosi dell’epoca come: Luigi Zampa, Damiano Damiani o Jean-Luc Godard. Ma forse ci sono solo due adattamenti che sono paragonabili con la scrittura moraviana e che sono diventati dei classici del cinema internazionale: Il conformista di Bernardo Bertolucci (basato sul romanzo scritto nel 1951) e La ciociara di Vittorio De Sica (tratto dal testo omonimo del 1957).

Matka i córka / La ciociara

Fascismo mostrato in due prospettive

Per quanto riguarda la tematica dei romanzi moraviani, possiamo individuare due tipologie più importanti: le opere appartenenti alla corrente esistenzialista e quelle, come direbbe lo stesso Moravia, riguardanti “il mito nazionalpopolare.” I due romanzi di cui ci occupiamo in questo articolo sono degli esempi perfetti visto che Il conformista appartiene alla prima categoria e La ciociara alla seconda. Entrambi i testi mostrano quel che accadde in Italia durante la Seconda guerra mondiale; ma in modi totalmente diversi: Il conformista mostra il fascismo “dal di dentro” perché il protagonista (Marcello) appartiene al sistema totalitario. La ciociara presenta l’esperienza bellica attraverso gli occhi dei civili: la protagonista è la madre di una delle marocchinate (così si definivano le violenze sessuali operate dai militari marocchini inquadrati nell’esercito francese).

Per quanto riguarda Il conformista non è una rappresentazione stereotipata dei “fascisti cattivi”. Marcello è un personaggio molto “umano”, le cui scelte sbagliate lo hanno portato al suo fallimento nella vita. Alla fine il protagonista si rende conto che quando il fascismo cade, lui “non è che un misero assassino” e quindi mostra di essere un uomo che capisce e non solo una marionetta del regime.

Matka i córka / La ciociara

La situazione è completamente diversa con Cesira de La ciociara la quale si presenta come un personaggio semplice che ha delle difficoltà nel leggere, tuttavia sa contare bene per cui riesce a lavorare nel suo negozio. La protagonista rappresenta una piccola borghese che non è consapevole di ciò che accade intorno a lei e quindi desidera solo realizzare i propri affari. Cesira non è in grado di immaginare il disastro della guerra e quale impatto può avere. Solo quando le circostanze sono veramente gravi (lei non riesce più a gestire né la sua attività professionale né rimanere a casa propria a Roma), il personaggio principale si rende conto di odiare la guerra, mostrando in tal modo il processo della maturazione della donna.

La prosa moraviana sul grande schermo

Per quel che concerne La ciociara, la sua versione cinematografica fu girata quasi immediatamente nel 1960 mentre quella de Il conformista quasi venti anni dopo la pubblicazione del romanzo quindi nel 1970. Prima di tutto, vediamo come Bertolucci realizzò il romanzo di Moravia, dando ad ogni scena un carattere simbolico attraverso la fotografia del celebre Vittorio Storaro.

Matka i córka / La ciociara

Nella prima scena osserviamo il protagonista da bambino quando incontra un uomo che desidera stuprarlo e la tragedia vissuta avrà impatto su tutta la sua vita. Questa scena è curiosamente analoga a quella dello stupro de La ciociara, visto che l’abuso sessuale si svolge vicino ad un simbolo religioso: nel caso de Il conformista, è il crocifisso. Le altre similitudini si riscontrano nel fatto che la vittima sia un bambino innocente e che l’autista con la rivoltella sembri un soldato.

La seconda scena rivela l’alienazione di Marcello durante la sua festa di matrimonio che cerca ossessivamente di apparire normale. Le nozze di Marcello sono il ritratto del fascista triste e sono analoghe alla terza scena del ballo, che si dimostra più grottesca di tutte: la folla lo cattura e lui non riesce più a scappare. L’ultima scena dimostra perfettamente che il personaggio principale si sente “inadeguato” e che probabilmente non riesce mai a trovare la tanto desiderata normalità.

La ciociara girata “nello spirito” del neorealismo

Per quel che concerne l’adattamento cinematografico de La ciociara, anche se fu realizzato nel 1960, quindi cronologicamente dopo il movimento neorealista1, è un film neorealista nel senso più specifico del termine. Tuttavia, non mancano anche critici che sostengono che la fine del neorealismo fu segnata nel 1960 dal film di Luchino Visconti Rocco e suoi fratelli2 e in tal senso La ciociara è una delle ultime pellicole del genere. Comunque bisogna prendere in considerazione che l’adattamento del romanzo presenta la maggior parte dei tratti caratteristici dei film neorealisti come: il motivo della Seconda guerra mondiale, le condizioni del popolo semplice, le ambientazioni in luoghi realistici e la povertà, la quale pure “recita il ruolo” nel film3. La differenza più grande sta nel fatto che ci siano attori professionisti come Sophia Loren (Cesira), Jean-Paul Belmondo (Michele), Eleonora Brown (Rosetta).

Vale la pena sottolineare che la pellicola è in bianco e nero e per questo ci sono tanti giochi di contrasti significativi. La situazione storica dell’epoca viene ricostruita meticolosamente e si possono notare alcune scene che mostrano il conflitto militare oppure altre che mostrano il popolo delle montagne.

Matka i córka / La ciociara

Per lo spettatore del XXI secolo è importante che i bombardamenti vengano girati in modo realistico senza l’uso di effetti speciali. Un’ulteriore peculiarità si esprime nella naturalezza della rappresentazione dei montanari con tutti i dettagli folcloristici. Durante il film vediamo anche l’impatto della guerra sulla popolazione civile. Comunque, la visione degli orrori della guerra non si presenta in maniera molto realistica ma piuttosto poetica, il che costituisce un valore forte della pellicola. Quel lirismo si esprime soprattutto nella colonna sonora che sottolinea l’atmosfera delle scene nonché nell’inquadratura prevalentemente per i primi piani che si focalizzano sulle emozioni dei protagonisti.

La madre e la figlia

L’aspetto che attira l’attenzione è il rapporto molto naturale tra la madre e la figlia. Cesira incarnata da Sophia Loren (all’epoca l’attrice aveva 26 anni) diventa protettiva e tenera mentre Rosetta recitata da Eleonora Brown (quando recitò nel film aveva solo 12 anni!) si mostra come una ragazza innocente e legata alla madre. La trama si svolge in modo tale che possiamo osservare gli avvenimenti attraverso il loro rapporto: la felicità di stare insieme prima della guerra (1), il viaggio verso il Sud (2;3), l’arrivo a Sant’Eufemia (4) e la scomparsa di Michele (5).

Per lo spettatore, la dimensione dell’amore tra madre e figlia diventa fondamentale, poiché “si sente” coinvolto e condivide delle emozioni guardando il film. La ciociara, come le altre opere neorealistiche, si distingue per il forte messaggio emotivo che trasmette, principalmente trattando della vita delle persone più deboli (analogamente a Ladri di biciclette con il ritratto del padre e del figlio che si vogliono bene nonostante tutte le avversità).

Inoltre la lingua dei personaggi è di un registro abbastanza semplice, come nella maggior parte dei film neorealisti. Solo Michele usa il linguaggio dell’intellettuale che esprime opinioni sulla guerra, essendo una voce “consapevole.” La pellicola presenta l’antifascista come persona totalmente diversa dai contadini. Alla fine Michele diventa il protagonista tragico che si prende cura degli altri, ma è incompreso dal popolo semplice che lo tratta da professore perché si è laureato.

Conoscere la vita attraverso la violenza

Per la maggior parte del film Cesira e Rosetta hanno un buon rapporto; tuttavia, il momento di svolta avviene con lo stupro della ragazza. Dopo quell’avvenimento cambia il legame tra madre e figlia. Prima di tutto colpisce l’espressione di Rosetta, che rimane in stato di shock psicologico (1). Poi c’è la madre che è sconvolta visto che non è riuscita a salvare la figlia (2), il che si trasforma in disperazione assoluta (3). In seguito possiamo vedere la distanza che si è creata tra le due donne (4).

Lo stupro è il momento clou di tutta la pellicola, dopo di cui la figlia diventa una prostituta, mentre la madre è completamente distrutta. È anche il momento in cui lo spettatore rimane più sconvolto: è pieno di compassione nei confronti delle protagoniste, visto che conosce la storia del crollo dell’amore familiare. La violenza subita dalla fanciulla ridefinisce tutto il suo rapporto con le altre persone e svolge nel film lo stesso ruolo del furto della bicicletta in Ladri di biciclette: presenta il destino tragico di un individuo, ma anche di tutta la nazione che vive una situazione storica analoga. Per di più il sesso, e la sua scoperta, è un tema fondamentale nella scrittura moraviana: definisce le relazioni umane e mostra il mondo così com’è. In questo senso lo stupro è in qualche modo “indispensabile” per diventare adulti e percepire il male che ci circonda.

Matka i córka / La ciociara

Sofferenza che purifica

Nella pellicola viene espresso il paradosso della liberazione: i danni subiti dai cosiddetti “liberatori” sono i medesimi, oppure più gravi, di quelli patiti dagli oppressori. La scena dello stupro diviene molto simbolica: sopra la chiesa abbandonata volano gli uccelli, mentre il tempio sembra vuoto come se dentro non ci fosse Dio. Alla fine, dopo le tante relazioni di Rosetta, la madre esprime la propria disperazione che, comunque, non fa gran impressione sulla figlia. Solo quando Cesira le parla della morte di Michele, la figlia scoppia a piangere e “si ricrea l’innocenza” in senso morale. Il dolore ha una funzione purificatrice e la fanciulla vive in qualche maniera un senso di colpa.

La ciociara è emozionante, visto che il pubblico osserva la sofferenza di persone innocenti la cui storia è commovente. Si percepisce una specie di catarsi che purifica gli spettatori, infonde pietà per gli avvenimenti dell’opera e permette al pubblico di liberarsene. L’adattamento si manifesta anche come il ritratto della guerra con tutti gli orrori legati ad essa e per questo motivo costituisce un forte e vero commento critico nei confronti di ogni conflitto militare.

 

Note

La maggior parte dei critici cinematografici dice che la fine del movimento sia stato più o meno nel 1951 http://brevestoriadelcinema.altervista.org/20-1.html (verificato il 10.02.2020).

2 Helman, A. (2012), Neorealizm: próby definicji, in: T. Lubelski, I. Sowińska, R. Syska (a cura di),  Kino klasyczne, Universitas, p. 579.

3 Ivi, p. 596.

Gazzetta Italia 105 (giugno-luglio 2024)

0

Lo splendido borgo ionico di Le Castella vi accoglie sul numero 105 di Gazzetta Italia proponendo un approfondimento su una terra bellissima, poco nota e piena di contrasti: la Calabria. Tra i viaggi parleremo di Agrigento e delle avventure ciclistiche in Italia di Bartek Ramza. Vi faremo scoprire la bella storia di rinascita attraverso lo sport di Bebe Vio, le esperienze italo-polacche del disegnatore Maurizio Di Bona e ancora la storia di Adrian il parrucchiere varsaviano-romano. Per la rubrica di cinema parleremo del grande Nino Manfredi nella sua interpretazione di Girolimoni, e di quanta Italia c’è nella serie “Doctor Who”. Per chi impara l’italiano segnaliamo l’intervento del professor Tucciarelli su “Falsi amici: le trappole della traduzione”. E poi ancora parleremo della mitica Lancia Aurelia, dell’importanza dello iodio nella nostra alimentazione, e troverete anche ricette e tanto altro! Insomma recuperate online o negli Empik la vostra copia di Gazzetta Italia!

Il Sogno continua!

0

L’XI edizione del Torneo di Calcetto Italiani in Polonia ha portato nel fine settimana del 1-2 giugno (2024) oltre cento calciatori – italiani, polacchi e di altre varie nazionalità – a sfidarsi sui campi dell’AZS Łódź. Lo storico Torneo di Calcetto, che è la più importante e partecipata manifestazione sportiva degli Italiani in Polonia, è stato impreziosito dalla presenza dell’Ambasciatore d’Italia Luca Franchetti Pardo che dopo l’intervento di saluto ha presenziato alla tradizionale cerimonia d’apertura con prima il sorteggio dei gironi – con estrazione delle squadre da parte della signora Marta, moglie dell’Ambasciatore – e poi gli inni nazionali italiano e polacco. Graditissima presenza anche quella di Amedeo Piovesan che nel lontano ottobre del 2014 ha ideato e organizzato il primo Torneo giocatosi a Łódź e che è poi diventato itinerante.

Sul campo ad avere la meglio su tutti è stata ancora una volta la squadra Il Sogno di Varsavia che battendo in finale i padroni di casa del KTM Łódź per 3-1 ha bissato la vittoria dell’anno scorso. Nella finale per il terzo posto l’A.C. Wawa si è imposto ai rigori sul Real Poznań, dopo che la partita si era conclusa sul 4-4. Finali combattute che sono seguite a due equilibratissime semifinali: KTM Lódź-Real Poznań 2-1 e Il Sogno di Varsavia- A.C. Wawa 3-2 dopo il tempo supplementare. La squadra di Łódź si è comunque consolata con i premi al miglior portiere Kamil Marcinczak e al miglior cannoniere Maciej Danecki. Invece miglior giocatore è stato Filip Kacperkiewicz de Il Sogno di Varsavia. Coppa fair play all’Atletico per niente Wrocław che non preso neanche una ammonizione.

Sabato prima del via al Torneo si è svolta la partita memorial “Angelo ed Ergest per sempre con noi” per ricordare due ragazzi, che in passato hanno giocato per Łódź, scomparsi prematuramente. Una partita giocata da vecchie glorie del Torneo, ovvero tra “ragazzi” che per l’occasione sono tornati a calcare un campo di gioco dopo anni d’assenza. A seguire, incuranti dell’arrivo della pioggia, le 8 squadre, divise in due gironi da 4, hanno aperto le ostilità regalando al pubblico presente la bellezza di 56 gol in 12 partite il sabato e 58 gol nelle 12 partite del tabellone finale della domenica! Questi i piazzamenti: Il Sogno di Varsavia, KTM Łódź, A.C. Wawa, Real Poznań, Warszawa United, It. a Wrocław, Ital3miasto, Atletico per niente Wrocław.

Tra gol, rovesciate, traverse, dribbling e innumerevoli palloni persi oltre le reti di recinzione anche tante emozioni per mogli, fidanzate e figli e pure tanti ottimi panini sfornati dall’infaticabile squadra del Comites e di Shardana, che la sera hanno pure offerto gelati e un ottimo aperitivo sardo.

Il Torneo patrocinato dall’Ambasciata e organizzato da Comites, Gazzetta Italia insieme a Enrico Monti, Luigi e Melania Noto, è stato reso possibile dal supporto fondamentale degli sponsor: North Cost, BG Tech, Ristorante Mare e Monti, Across Europe, La Bottega d’Enrico, Italtecnica, Italia Lody Caffè, Andrea Cortassa.

A chiusura di questa bella edizione già si pensa dove giocare la prossima, tra le città candiate: Wrocław e Lublino.

 

Sergio Leone – un italiano che inventò l’America

0
fot. Gianfranco Tagliapietra

traduzione it: Agata Pachucy

Leone viene spesso definito il “re dello spaghetti western”. Credo però che questa sia un’immagine quantomeno incompleta. “Io sono il vento”, cantava Arturo Testa nel 1959 durante il Festival di Sanremo. A mio avviso, Sergio Leone, nato 30 anni prima, il 3 gennaio 1929, è stato proprio un vento. Una brezza le cui numerose folate hanno modificato in modo permanente il panorama cinematografico.

Testa arrivò secondo nella classifica del festival all’epoca. Ho l’impressione che sia stato un po’ così anche per la carriera del regista romano che, pur essendo uno dei più grandi e influenti registi di tutti i tempi, per quelli dell’Academy non meritava neanche una nomination agli Oscar. Il prossimo 30 aprile sarà il 35° anniversario della morte di Sergio Leone. Solo oggi possiamo apprezzare appieno il contributo che il regista ha dato al cinema mondiale.

La filmografia di Leone è piuttosto breve. Ha iniziato assistendo Vittorio de Sica in “Ladri di biciclette” (1948). Ha poi lavorato, tra gli altri, a Quo Vadis (1951) e BenHur (1959), scrivendo nel frattempo anche le proprie sceneggiature. L’occasione arriva nel 1959, quando sostituisce Mario Bonnard, regista de “Gli ultimi giorni di Pompei”. Due anni dopo realizza “Il colosso di Rodi”, il suo primo lungometraggio indipendente. Ma la vera fama arriva con la realizzazione del successivo “Per un pugno di dollari” (1964), interpretato da Clint Eastwood. “Senza dubbio il punto forte di questo film, che ha avuto successo strepitoso in Italia e altrove in Europa, è il personaggio del fuorilegge interpretato da Clint Eastwood, l’attore americano che in precedenza aveva interpretato il ruolo di un avventuriero nella serie televisiva Rawhide”, scrisse il New York Times qualche anno dopo la prima. Eastwood recitò anche nei film successivi della cosiddetta “Trilogia del dollaro”: “Per qualche dollaro in più” (1965) e “Il buono, il brutto e il cattivo” (1966). Si può dire che fu Leone a scoprire il talento di Eastwood, mostrandone anche il raggio d’azione.

“Ho sentito parlare per la prima volta di Sergio Leone quando ho visto “Per un pugno di dollari”. Ho visto che era un grande film, ma i critici non lo apprezzavano. In Italia non capivano Sergio, non gli piaceva. Hanno iniziato a capirlo molto più tardi, con il suo ultimo film, ma era troppo tardi”, scrisse Dario Argento nel 2009 sulle pagine del britannico The Guardian.

Inizialmente, la critica accolse il film di Leone in modo piuttosto negativo. A ciò contribuì anche lo scandalo delle accuse di plagio de “La guardia del corpo” (1961) di Akira Kurosawa. Il regista giapponese andò in tribunale e vinse la causa. L’italiano ammise di essersi ispirato, ma non ritenne di aver plagiato.

Con il senno di poi, tuttavia, si può dire che è andata bene così. Ciascuna delle due parti ne ha tratto vantaggio. Kurosawa ne ha ricevuto profitto finanziario e i suoi film hanno suscitato maggiore interesse. Leone, invece, ha costruito qualcosa di molto importante, un genere a sé stante, sulla base di un’idea altrui, scoprendo al contempo il talento di Eastwood. È successo lo stesso con Ennio Morricone. Il compositore considerato oggi uno dei più grandi di sempre. Sono stati i film “del dollaro” a mostrare la portata del talento dell’artista romano, permettendogli di lavorare con i migliori registi, ispirando generazioni di cineasti. “Sono cresciuto ascoltando L’Estasi dell’oro”, ha sottolineato Quentin Tarantino.

Bisogna notare che, durante i primi giorni di lavorazione del film, si è scoperto che Leone e Morricone si conoscevano fin dall’infanzia, in quanto entrambi frequentavano la scuola elementare di San Giovanni a Roma.

“Ci siamo conosciuti all’età di sette anni, credo al terzo anno di scuola elementare, ma poi non ci siamo più incontrati. Solo in seguito, quando ero a casa mia a scrivere le musiche per il suo film “Per un pugno di dollari”, che lui mi chiese di fare dopo aver ascoltato le colonne sonore che avevo scritto per due precedenti film western. Gli piaceva la mia musica ed era convinto di questa collaborazione”, ha ricordato anni dopo Ennio Morricone.

Alcuni critici ritengono che sia la musica di Morricone a rendere speciali i film di Leone. È difficile non essere d’accordo, ma questo non significa sminuire il lavoro di Leone. Il compito di un regista è, tra le altre cose, quello di trovare le persone giuste e dare loro lo spazio per mostrare tutto il loro talento. Sergio Leone faceva esattamente così, permetteva agli artisti eccezionali che ha trovato di mostrare la pienezza della loro unicità. Un modo di lavorare che caratterizza solo i più grandi. Morricone compose anche le musiche dei film successivi di Leone: “C’era una volta il West” (1968) con Claudia Cardinale, Henry Fonda e Charles Bronson, “Giù la testa” (1971) con James Coburn e l’opus magnum del regista italiano, “C’era una volta in America” (1984).

All’inizio degli anni Settanta, proposero a Leone di girare “Il Padrino” (1972). Rifiutò perché non voleva glorificare la mafia. Tuttavia, in seguito si pentì della sua decisione. Alla fine, il film tratto dal romanzo di Mario Puzo, fu realizzato da Coppola in modo così brillante che a me personalmente non dispiace che Leone non l’abbia fatto. In più se avesse effettivamente realizzato “Il Padrino”, forse non avrebbe fatto “C’era una volta in America”, un film descritto come un “Padrino ebreo”, che, per inciso, al regista non piaceva molto. Questo non è un film sui gangster. Anzi, è un film surreale sulla memoria, sul passare del tempo, sulla nostalgia. “È anche un omaggio al cinema con note del mio pessimismo”, confessò il regista qualche anno dopo la prima. Leone ci riporta nell’America degli anni Venti, mostrando la storia di cinque ragazzi che crescono in un quartiere ebraico di New York. Il film, interpretato da Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGoven, Jennifer Connelly e Joe Pesci, è oggi riconosciuto come uno dei più grandi capolavori della storia del cinema.

Nel 1989 inizia a preparare un film sull’assedio di Leningrado. Tuttavia, pochi giorni prima di firmare il contratto, fu colpito da un infarto. Muore il 30 aprile a soli 60 anni. Nel 2022 è uscito il documentario sulla sua vita, intitolato “Sergio Leone: l’italiano che inventò l’America”.

Di draghi e dintorni

0

Passeggiando sotto le mura del Wavel — l’imponente Castello Reale di Cracovia — è impossibile non imbattersi nel buio ingresso di una grotta. Una macchia arruffata di alberi la cela parzialmente e una statua ne fa da guardiano: annerita, ruvida d’aspetto, raffigura un drago rampante. È Smok Wawelski, il Drago di Wavel. Con le sue sei zampe e il respiro infuocato, la statua è una delle icone della città.

Figure dense di significati, ancora oggi i draghi popolano l’immaginario collettivo di oriente e occidente. Eppure, per quanto antichi, persino loro risentono dei tempi moderni, di una società segnata dai cambiamenti climatici, dai conflitti e dal progresso scientifico.

Ne abbiamo parlato con Michele Bellone, autore di Incanto. Storie di draghi, stregoni e scienziati, comunicatore della scienza e curatore editoriale della sezione saggistica per Codice Edizioni. Ci ha raccontato il ruolo che queste creature leggendarie hanno oggi nel mondo scientifico.

Un drago, tanti draghi 

Una premessa è doverosa. Dobbiamo parlare di draghi, al plurale, per ricordare le molte forme che hanno assunto nell’araldica, nei miti antichi e nella storia dell’arte: forme che hanno reso pressoché impossibile realizzarne una tassonomia univoca.

«Prendete il celebre dipinto San Giorgio e il drago di Paolo Uccello. Lì, il drago raffigurato ha quattro arti – due ali e due zampe – e non sei, come emerge da tante rappresentazioni storiche e artistiche. Ma chi, come me, è amante dei giochi di ruolo, sa bene che sono le viverne ad avere quattro arti, non i draghi. Eppure, quello ritratto da Paolo Uccello era un drago, come pure quelli del Trono di Spade, anch’essi dotati di quattro arti», racconta Bellone.

«Posso fare un altro esempio, sempre riferito all’Italia. El bisson, ossia il Biscione milanese, simbolo storico della casata dei Visconti e poi della città di Milano – ripreso in molti altri stemmi, da quello dell’Alfa Romeo all’Inter – pare sia stato ispirato dalla raffigurazione del drago Tarantasio, che secondo le leggende abitava un antico lago nei pressi di Lodi».

In una delle sue rappresentazioni iconiche, Tarantasio aveva due piccole ali, due zampe e un lungo corpo strisciante, simile appunto a quello di un serpente. «In effetti, i draghi dell’immaginario italiano tendono a essere raffigurati più come creature paludose e serpentesche che non come i draghi centro-nord europei. Loro sì, più simili a quelli diventati famosi grazie al cinema.»

Il filo conduttore che unisce la tradizione europea è semmai il vedere nei draghi dei grandi rettili. Anche in questo caso, però, il panorama globale è più variopinto: «I draghi della tradizione orientale mescolano parti di pesci, mammiferi e rettili: non sono mostri maligni, bensì una rappresentazione composita di molte specie diverse simboleggiante le forze naturali. Mentre nell’America centrale vengono rappresentati come giganteschi serpenti piumati, come il famoso Quetzalcoatl».

Draghi al servizio della scienza

Questo caos di forme anatomiche è fondamentale per iniziare a capire un possibile ruolo dei draghi nel mondo scientifico: essere uno splendido caso studio immaginario. Bellone fa un esempio: «Nel 1976, il biologo dell’Università di York Peter J. Hogarth, pubblicò un articolo sul Bullettin of British Ecological Society nel quale prendeva in considerazioni diversi aspetti dell’ecologia e dell’anatomia dei draghi, proponendo un’analisi critica alla luce degli studi darwiniani sull’evoluzione».Qualche mese dopo gli rispose il collega Robert M. May sulla celebre rivista Nature. Il professore di Oxford fece notare che, nella sua analisi, non aveva considerato un aspetto. Se si guarda all’evoluzione dei vertebrati terresti, uno dei tratti più conservati nel tempo è la morfologia tetrapode, cioè basata su quattro arti. I draghi però, contando le ali, ne hanno sei. «Se esistesse una linea evolutiva esapode, vorrebbe dire che i draghi sono più imparentati con il pegaso che con i rettili, e il pegaso sarebbe più imparentato con loro che non con un unicorno o un normale cavallo». La somiglianza tra draghi e viverne a quel punto diventerebbe un fenomeno noto come evoluzione convergente: rami diversi dell’albero della vita sviluppano tratti simili quando occupano nicchie ecologiche affini.

Si tratta di un gioco, ovviamente. Ma è un gioco prezioso per chi si occupa di evoluzione.

La biodiversità dietro i draghi

I draghi però non rappresentano solamente un caso studio utile a mettere alla prova i nostri criteri di classificazione. Immaginare come potrebbero muoversi, volare o sputare fuoco se esistessero realmente è un’ottima scusa per indagare le soluzioni che la biodiversità ha prodotto per ottenere risultati simili.

In Incanto, Bellone ne cita uno particolarmente sorprendente: i Brachininae. Si tratta di una famiglia di insetti comunemente nota come coleotteri bombardieri. Quando minacciati, questi animali sono in grado di emettere un getto di liquido rovente, ottenuto grazie a una miscela di enzimi, perossido di idrogeno e idrochinone che, combinati, portano la reazione a una temperatura molto elevata. Sono insetti a livello di qualsiasi drago sputafuoco, con il pregio di esistere davvero!

Il rapporto tra draghi e biodiversità non è unilaterale. «Un conto è se devi raffigurare un drago in un’immagine statica, un altro è se devi farlo muovere in maniera realistica, come in un film o in una serie. A quel punto gli animali che già esistono sono un’ottima fonte di ispirazione per chi deve costruire una figura animata al computer». Uccelli e pipistrelli sono i modelli migliori.

Scrive Bellone nel suo libro: «Gli artisti digitali di Pixomondo, coinvolti nella realizzazione dei draghi del Trono di Spade, hanno studiato l’anatomia delle ali dei polli per capirne i limiti meccanici, mentre per simulare il decollo di Drogon hanno preso spunto dai pellicani.» (p.40)

Draghi come metafore

Draghi al servizio delle scienze naturali, dunque, ma anche draghi per la biodiversità e draghi come metafore del mondo contemporaneo. «Nel 2015, sempre Robert May — deve essersi appassionato al tema, evidentemente — insieme a Andrew Hamilton e Edward Waters, per un primo di aprile, pubblicarono un articolo su Nature in cui usavano i draghi per parlare dei cambiamenti climatici.»

L’articolo, ovviamente umoristico, correlava il trend delle temperature globali a quello delle menzioni di draghi nella letteratura, sostenendo che chiaramente i fenomeni dovevano essere legati tra loro. Temperature più calde: più draghi avvistati. Che occorra limitare le emissioni prima che se ne risveglino troppi?

I draghi però non sono metafore potenti solo per la scienza. «Uno dei miei draghi preferiti in assoluto» racconta Bellone «non è un drago in senso classico. Compare nel romanzo di Michael Swanwick, Cuore d’acciaio, dove i draghi sono l’equivalente dei nostri cacciabombardieri: macchine costruite in fabbrica, dotate di missili e bombe, ma caratterizzate da una personalità, spesso arrogante e distruttiva». Una metafora delle idee di dominio e distruzione che imprimiamo nella tecnologia intorno a noi.

Smok Wawelski

Si dice che il Drago di Cracovia fu sconfitto da un calzolaio che, astutamente, gli fece trovare una pecora riempita di zolfo. Il bruciore alla gola e alla pancia che seguirono indussero la bestia a raggiungere la Vistola per dissetarsi, ingollando acqua fino ad esplodere. Una leggenda simile ad altre che, nei secoli, hanno popolato di draghi l’intera l’Europa orientale.

Il mostro è dunque morto. Oggi rimane una statua attorno a cui si accalcano i bambini. Rimane anche l’immagine del drago come simbolo di cultura, tradizione e, come abbiamo visto, anche di scienza. Perciò, in futuro, quando vedrete un drago, ricordatevi di contare quante zampe possiede.

Maria Skłodowska-Curie in Italia alla ricerca di radio

traduzione it: Marta Koral

“Il 30 luglio 1918 alle ore 3:30 del mattino, Maria Skłodowska-Curie scese dal treno alla stazione di Pisa”. Così ebbe inizio lo straordinario viaggio di tre settimane della vincitrice di due premi Nobel durante il quale insieme ad alcuni scienziati italiani percorse più di 3.000 km, studiando le radiazioni naturali delle acque termali, delle fumarole e delle rocce. 

***

Nel 2023 si sono celebrati due importanti anniversari legati a Marie Skłodowska-Curie, due volte premio Nobel per la fisica e la chimica: 120 anni dalla consegna del primo Premio Nobel e 125 anni dalla scoperta del polonio (84Po) e del radio (88Ra). Tali ricorrenze sono state segnate da un’eccellente collaborazione tra l’Accademia Polacca delle Scienze di Roma, l’Istituto di Chimica Organica del PAN e l’Università di Pisa. Insieme, abbiamo ritenuto opportuno far conoscere ad un pubblico più vasto i dettagli della visita di Maria Skłodowska-Curie in Italia. Infatti, l’illustre Premio Nobel nel 1918 vi trascorse tre settimane, ma sono poche le fonti che ne parlano. In effetti, la Premio Nobel trascorse in questo Paese tre settimane nel 1918, ma sono poche le fonti che fanno riferimento a questo viaggio. Si è scritto molto sulle sue due spedizioni negli Stati Uniti, in Brasile o in Spagna, si è parlato di visite nei Paesi Bassi e a Bruxelles, mentre il suo viaggio in Italia è rimasto sempre un tema inesplorato. Fu a causa della guerra in corso che la spedizione del Premio Nobel si svolse senza particolare risonanza.

 

Come nasce quindi l’idea della visita di Maria Skłodowska in Italia? Verso la fine della Prima guerra mondiale, la Francia comincia a esaurire il radio e la sua “emanazione” (ovvero il radon, un elemento radioattivo che si forma spontaneamente dal decadimento del radio), che veniva utilizzato, tra l’altro, negli ospedali da campo. Madame Curie decise pertanto di recarsi presso le sorgenti termali italiane, ricche di quel prezioso elemento radioattivo, da dove sarebbe stato relativamente facile e veloce trasportarlo in Francia. Tra l’altro, le sostanze radioattive naturali erano già all’epoca oggetto di ricerca in Italia, la difficoltà, tuttavia, stava nel loro isolamento per l’utilizzo pratico. È il motivo per cui i massimi scienziati italiani, guidati dal professor Vito Volterra, invitano più volte Madame Curie nel Bel Paese, nella speranza di poter ricevere conferma delle scoperte fatte fino ad allora, di potersi confrontare, di trovare nuove fonti di questi elementi e di individuare i modi per estrarli. La visita si svolse nel 1918 quando Skłodowska-Curie arrivò a Pisa su invito di Raffaello Nasini, professore di chimica all’Università di Pisa. Il primo passo fu quello di controllare l’apparecchiatura fornita dall’ateneo per la missione di ricerca. Dopo aver verificato la sua idoneità alle misurazioni previste, la scienziata, accompagnata dal giovane assistente di Nasini, Carlo Porlezza, partì per un lungo viaggio attraverso il Bel Paese.

Da sinistra: dr hab. Marcin Górecki (Instytut Chemii Organicznej PAN w Warszawie), prof. Gaetano Angelici (Università di Pisa), prof. Lorenzo di Bari (Università di Pisa), Agnieszka Stefaniak-Hrycko (dyrektor Stacji Naukowej PAN w Rzymie)

Trascorse i primi giorni in intensa attività di ricerca in Toscana. Visitò prima i Bagni di San Giuliano, a pochi chilometri da Pisa, per testare sul campo le apparecchiature disponibili. I test riuscirono alla perfezione e confermarono la notevole radioattività di quelle acque sorgive. Da qui, insieme a Porlezza, Skłodowska partì per la vera missione scientifica alla ricerca di altre possibili fonti di sostanze radioattive. Il 1° agosto giunse a Bagni di Montecatini, le cui acque erano celebri per le loro proprietà benefiche “sul fegato e sulle budella”. Con Nasini e Porlezza misurò la radioattività delle acque termali del Tettuccio. In Toscana visitò anche Larderello, località nota per il suo particolare paesaggio caratterizzato dalla presenza di colonne di vapori bianchi dei soffioni boraciferi. È interessante notare che questi fenomeni naturali, già conosciuti all’epoca di Dante Alighieri, ispirarono il poeta nel descrivere i paesaggi… infernali!

Quindi la spedizione si diresse verso il sud dello Stivale. Da Napoli gli scienziati raggiunsero Ischia per effettuare le misurazioni della radioattività in diversi punti dell’isola, noti da centinaia di anni per le loro proprietà terapeutiche. A Lacco Ameno, il 7 agosto Skłodowska analizzò le acque delle Terme Regina Isabella. L’isola si rivelò un luogo particolarmente ricco in emanazioni radioattive del radio, non solo delle acque, ma anche del terreno e persino dell’aria. Oggi qui si trova uno dei principali centri di cura e soggiorno a livello internazionale. La seguente meta della missione scientifica fu l’isola di Capri, dove furono prelevati altri campioni. Al ritorno verso il Nord, la Premio Nobel si fermò brevemente a Roma, dove strinse alcuni contatti professionali.

La tappa successiva della visita furono gli impianti militari di raggi X vicino a Padova, dove poche settimane prima si erano svolti dei combattimenti. La scienziata li confrontò con le strutture francesi mostrandosi soddisfatta dell’organizzazione di quelle italiane. In Veneto nell’area dei Colli Euganei invece l’equipe scientifica visitò le magnifiche sorgenti termali di Abano, Battaglia e Montegrotto verificando le misurazioni della radioattività delle loro acque, già effettuate in precedenza. Dopo una breve gita in motoscafo da Fusina a Venezia, Skłodowska si recò a Lurisia, dove non solo esaminò la fortissima “emanazione” di radon, ma raccolse anche campioni di autunite, che poi portò con sé in Francia per valutarne la quantità di radio presente. Una vera sorpresa attendeva gli scienziati nella grotta delle cave di Lurisia. Esaminando le rocce con apparecchiature dell’Università di Pisa, gli strumenti addirittura “bollirono”. Nella grotta, che oggi porta il nome dell’illustre scienziata, Madame Curie pronunciò la famosa frase: “Beaucoup de radium!”

Il viaggio si concluse il 18 agosto a Sanremo con una riunione e una prima sintesi della missione scientifica. Il giorno dopo, gli scienziati italiani accompagnarono la Premio Nobel alla stazione di Ventimiglia, da dove prese il treno per ritornare in Francia. Skłodowska-Curie mandò poi al professor Volterra il suo resoconto ufficiale del viaggio, insieme ai ringraziamenti per l’ospitalità italiana. Un anno dopo, inviò una lettera che oggi si trova al Dipartimento di Chimica e Chimica Industriale dell’Università di Pisa, che accompagnava un campione di cloruro di radio, per la standardizzazione delle misure di radioattività nelle acque sorgive.

***

Il filmato è disponibile in tre versioni linguistiche: polacco, italiano e inglese sul canale YT di PAN. Buona visione!

Visita dell’Ambasciatore Franchetti Pardo alla Nave Rizzo a Gdynia

0

L’Ambasciatore d’Italia in Polonia, Luca Franchetti Pardo, sabato 11 maggio ha visitato la Fregata “Luigi Rizzo”, comandata dal C.F. Catia Pellegrino, che conclude la sua partecipazione alla missione Nato “Brilliant Shield” dopo avere assicurato per cinque mesi la sicurezza del Mar Baltico, integrandosi nel dispositivo di difesa aerea polacco che vede impegnata anche la nostra Aeronautica Militare. Resi gli onori militari all’Ambasciatore, accompagnato dall’Addetto per la Difesa Col. Cavaliere, a bordo di Nave Rizzo è stata accolta una delegazione militare polacca che ha voluto esprimere il vivo apprezzamento di Varsavia per l’impegno italiano a protezione del fianco est della NATO. L’Ambasciatore Franchetti Pardo ha voluto ringraziare le donne e gli uomini in divisa che quotidianamente difendono la sicurezza degli Italiani, operando anche in aree geografiche lontane e a costo di grandi sacrifici personali. Franchetti Pardo ha evidenziato il significativo contributo di Nave Rizzo per la difesa del Paese e delle strutture sensibili nel Mar Baltico e ha ribadito che da parte italiana rimane fermo e convinto il sostegno all’Ucraina e a protezione del fianco est della NATO.

Una follia chiamata Venezia

0

traduzione it: Agata Pachucy

Beata Malinowska-Petelenz, architetto, pittrice e illustratrice, autrice di varie esposizioni tra cui “Non andare a Venezia” (Galleria Trzecie Oko, gennaio 2020), presenterà alla Galeria Dymu di Cracovia una serie di opere dal titolo “Una follia chiamata Venezia”. L’inaugurazione della mostra avrà luogo il 13 maggio alle ore 19.00 presso la Galeria Dymu, in via Św. Tomasza 13.

Secondo Bachtin, il carnevale è un momento di rovesciamento del mondo, un via libera alla follia e al sovvertimento delle norme sociali. Ma a Venezia il carnevale dura tutto l’anno perché le folle di turisti continuano ad arrivare indifferenti al rischio di morte sociale della città. Venezia si gonfia ancora, senza sosta, di turisti che sfrecciano tra l’obbligatorio aperitivo, un selfie sotto la Basilica di San Marco e l’acquisto di una calamita con un leone made in China. Questo mondo di estrema fisicità, che trasporta e annienta la città allo stesso tempo, ha trovato la sua rappresentazione nelle straordinarie opere di Beata Malinowska-Petelenz: “mi sono lasciata trasportare dagli strati di colori, dai costumi, dalle maschere onnipresenti. I confini della realtà e del sogno erano sfumati, così come i confini della città in un indefinito territorio in cui non si sa dove finisca la verità e inizi la visione turistica. La pittura qui si contrappone al ritmo incalzante delle visite turistiche; incoraggia la contemplazione del colore, dell’architettura e della materialità della città, che in un impeto carnevalesco diventa la storia di una città che, anche se muore, lo fa con il sorriso sulle labbra.” L’ispirazione per la nuova serie di dipinti a tecnica mista è nata durante la visita dell’autrice a Venezia nell’ultimo sabato del Carnevale 2024. La mostra, curata da Mariusz Twardowski, è sostenuta dalla Fondazione AP KunstArt con patrocinio mediatico di Gazzetta Italia e niemuzeum.pl.