Wystawa dzieł Gaspara van Wittela, jednego z prekursorów vedutyzmu, została otwarta przedwczoraj (21 marca 2024) w Zamku Królewskim, gdzie będzie dostępna do zwiedzania do 24 czerwca. Pomimo że van Wittel urodził się w Holandii, Włochy stały się jego ojczyzną z wyboru. Spędził tam większość życia, malując włoskie miasta w niezwykle osobisty sposób. Odwiedzający wystawę będą mogli podziwiać 14 pięknych widoków Rzymu, Neapolu i Florencji, pochodzących z prywatnych kolekcji, często niedostępnych dla publiczności. Ekspozycji towarszyszy program edukacyjny, który obejmuje m.in. wykłady poświęcone wybranym zagadnieniom z twórczości van Wittela, katalog oraz materiał audio nagrany przez kuratorkę wystawy, Alicję Jakubowską. „Pokaz kolekcji van Wittela stanowi zapowiedź utworzenia pokoju nawiązującego wystrojem do mody odbywania Grand Tour – długiej podróży po całym kontynencie, ale z głównym pobytem w miastach Italii. Pomieszczenie poświęcone takiej właśnie turystyce znajdzie się w pobliżu stałej ekspozycji wedut Canaletta”, mówi prof. Wojciech Fałkowski, dyrektor Zamku Królewskiego w Warszawie.
Ziemniaki czy bataty? Bez wątpienia obydwa!
tłumaczenie pl: Julia Jędrzejczyk
Dziś porozmawiamy o ziemniakach i batatach, te drugie znane są bardziej pod nazwą słodkich ziemniaków lub ziemniaków amerykańskich.
Mimo że mają podobną nazwę, tak naprawdę nie mają ze sobą wiele wspólnego. Obydwa są warzywem bulwiastym i pochodzą z Ameryki Centralnej i Południowej, choć aktualnie są uprawiane na całym świecie. Należą do dwóch różnych rodzin: ziemniak (Solanum tuberosum) to psiankowiec, rodzina warzyw, do których zaliczamy także bakłażana, paprykę i pomidora, natomiast batat (Ipomea batatas) należy do rodziny powojowatych, roślin używanych przeważnie do celów dekoracyjnych, znanych pod nazwą Piękność dnia lub Morning Glory.
Przynależność do innych rodzin, oprócz tego, że jest ciekawostką botaniczną, ma również istotne znaczenie z żywnościowego punktu widzenia, jeśli weźmiemy pod uwagę, że ziemniaki zawierają solaninę, toksyczną substancję charakteryzującą rodzinę psiankowców. Solanina znajduje się w każdej części rośliny, łącznie z liśćmi, owocami i korzeniami ze względu na jej funkcję ochronną przed pasożytami. Jej struktura jest stała nawet przy wysokich temperaturach: żadna metoda gotowania nie jest w stanie zmniejszyć zawartości tej substancji, która przy większym spożyciu może sprowokować zaburzenia na tle nerwowym oraz symptomy takie jak mdłości, ból brzucha, wymioty i gorączka. W ziemniaku solanina występuje raczej w małych ilościach. Jest jej więcej w zielonych ziemniakach (zabarwienie wynika z ekspozycji na światło lub zimno) oraz w innych częściach rośliny: z tego powodu należy trzymać ziemniaki z dala od słońca, a także nie spożywać ich, jeśli mają zbyt dużo pędów. Z racji tego, że batat nie należy do rodziny psiankowców, nie zawiera solaniny, więc można spożywać także inne części tego warzywa, czyli np. liście.
Zarówno ziemniak, jak i batat mają brązową skórkę, która może być szorstka albo gładka oraz miąższ o różnych kolorach, m.in. żółty, czerwony i fioletowy, w zależności od odmiany warzywa.
To, co je przede wszystkim odróżnia to smak: ziemniak jest delikatny, a batat bardzo słodki.
Ich wartości odżywcze są niemal identyczne pod względem ilości kalorii, białka i węglowodanów. Bataty mają większą zawartość witaminy C i witaminy A, oprócz tego są bogate w antyoksydanty. Istotną różnicą jest wysokość indeksu glikemicznego (IG), czyli liczby, która określa zdolność węglowodanów obecnych w danym produkcie do podniesienia poziomu cukru we krwi. Produkty z niskim indeksem glikemicznym są wolniej wchłaniane i metabolizowane, co skutkuje większym uczuciem sytości i ułatwia kontrolowanie wagi.
Pomimo słodkiego smaku, bataty mają umiarkowany indeks glikemiczny (od 44 do 94, podczas gdy IG ziemniaków to 110), ponieważ zawiera głównie złożone węglowodany. Należy jednak wziąć pod uwagę, że IG jest zależny od sposobu gotowania warzywa. Wysoka temperatura inicjuje proces, dzięki któremu wyzwalane są cukry proste, bardziej przyswajalne. Z tego powodu na przykład pieczone bataty mają wyższy IG niż te gotowane i to samo dotyczy ziemniaków.
Oczywiście najciekawsze pytanie brzmi, jak najlepiej przygotować ziemniaki i bataty? Ziemniaki są na tyle powszechne, że przepisy na ich przygotowanie są znane i praktycznie nieskończone: smażone, pieczone, gotowane, używane jako dodatek do sałatek, a także jako baza dla pulpetów, zup i sufletów. Przepisów jest wystarczająco dużo, by zaspokoić każde gusta.
Bataty są nieco mniej popularne, ale równie uniwersalne. Tak jak ziemniaki, mogą być gotowane w całości lub pokrojone w plastry lub w drobne kostki, by później przygotować je według preferencji: gotowane, z patelni, smażone lub pieczone. Można je spożywać również na surowo (smakują wtedy trochę jak marchewki), a także ze skórką lub bez niej (tak, na surowo również jest jadalny!).
Sprawdzą się też przepisy o egzotycznej recepturze, takie jak curry albo Batata Harra pochodzenia libańskiego, ale mogą być użyte również przy przygotowaniu deserów. Są dobrym zamiennikiem dyni w różnych przepisach, np. w risotto, w sosach, farszach lub w zapiekankach.
W razie wątpliwości, czemu by nie przygotować ziemniaków i batatów razem, w jednym przepisie? Mój ulubiony to również ten najprostszy: pieczone w piekarniku, przyprawione oliwą z oliwek, solą kamienną oraz obfitą garścią szałwii i świeżego rozmarynu. Wystarczy pamiętać o jednym triku: batat jest dużo delikatniejszy niż ziemniak, więc powinno się go piec krócej. Zacznijcie piec same ziemniaki, a po 20 minutach dodajcie bataty. Jeśli chcecie, by warzywa były bardziej chrupiące i oryginalne, dodajcie łyżkę mąki kukurydzianej lub mąki fumetto di mais (mąka kukurydziana z drobniejszych ziaren) i zamieszajcie porządnie przed pieczeniem. W rezultacie otrzymacie naczynie pełne zapachu i koloru.
Borsalino – Genialny kapelusznik
W garderobie mężczyzny nie powinno nigdy zabraknąć kapelusza.
Każdy model odpowiedni jest do okazji i nastroju.
Kapelusz to emblemat męskości, pełni też funkcję ratunkową.
Dodaje szyku i chroni przed upadkiem obyczajów.
(Humphrey Bogart, Magazyn Times 1948)
Włoska Aleksandria to z pozoru niczym niewyróżniające się, średniej wielkości miasto. Zwyczajna zabudowa i nizinny krajobraz przeczą wyobrażeniom o malowniczej Italii. Latem bywa tu gorąco nie do wytrzymania, a zimą – zimno i buro, opłotki spowija mgła. Zaskoczeniem dla przybysza mogą okazać się więc eleganckie sklepy i klimatyczne kawiarnie w stylu belle epoque, dziedzictwo dawnego, królewskiego Piemontu. Przeszło dwieście lat temu Napoleon stoczył tu bitwę pod pobliskim Marengo, a sto sześćdziesiąt sześć lat temu powstała firma Borsalino – wytwarzająca sławne na całym świecie nakrycia głowy, przeznaczone z początku dla masowej klienteli, a z czasem produkowane też dla turyńskiej rodziny królewskiej, gwiazd kina, papieży i międzynarodowej socjety.
Giuseppe Borsalino od początku pragnął tworzyć wyroby, które sprzedawane będą na całym świecie. Jako szesnastolatek wyruszył do Francji i uczył się fachu u tamtejszych mistrzów. Przez 6 lat terminował w kilku warsztatach, a w roku 1857 powrócił do Aleksandrii. Z bratem o imieniu Lazzaro sprowadził najnowocześniejsze maszyny z Manchesteru i otworzył własną pracownię. Na początek niewielką. Zmysł do interesów, wyczucie stylu i nowych potrzeb, zdolność syntezy i obserwacji złożyły się na ich pierwsze sukcesy. Tworzyli nowe fasony, łączące w sobie sztywną estetykę cylindrów i meloników z miękkimi liniami i materiałami nakryć głowy klasy robotniczej. Pomysł był strzałem w dziesiątkę. W roku 1888 zakład produkował 550 sztuk dziennie, a w pierwszych latach XX wieku już 5500. Wysokie moce przerobowe zapewniał nowy kompleks produkcyjny przy Corso Cento Cannoni, w samym centrum miasta. Choć dziś brzmi to jak dowcip, firma Borsalino jako pierwsza w historii przygotowała kolekcję przeznaczoną wyłącznie dla pań, co okazało się genialnym zabiegiem marketingowym. Jednak w czasach, gdy żadna szanująca się obywatelka ani obywatel nie wychodził z domu bez kapelusza, sam Giuseppe Borsalino raczej go nie nosił, gdyż uważał, że utrudniał mu myślenie. Nie tylko szewc bez butów, ale i kapelusznik bez kapelusza chodzi.
Flagowy model Borsalino to niejako wariacja na temat innego fasonu o nazwie Lobbia, z którym wiąże się niefortunna przygoda pewnego polityka. 15 czerwca 1869 roku, Cristiano Lobbia – członek parlamentu walczący z korupcją został napadnięty w jednym z zaułków Florencji. Nieszczęśnik dostał kijem po głowie, od czego niechybnie wgniótł mu się melonik. Już kilka dni później jeden z florenckich modystów wystawił w oknie swojego sklepu nowy wzór z wgniecioną główką podpisany „kapelusz alla Lobbia”. Nowość natychmiast znalazła zwolenników i rozprzestrzeniła się na całe Włochy, a z czasem Giuseppe Borsalino dopracował ten model, dodając jeszcze dwa boczne wgniecenia w główce tzw. oczodoły, ułatwiające jego sprawne zakładanie i ściąganie, a także uprzejme uchylanie ronda przy pozdrawianiu pań na ulicy. Dodatkowy komfort nowego nakrycia głowy gwarantował materiał, z którego był wykonany. Filc z przedniej jakości włosia królików rasy australijskiej, sprowadzonej specjalnie przez pana Borsalino do Włoch. Do dziś odmiana ta hodowana jest w Piemoncie, a kapelusze z Aleksandrii wytwarzane są według dokładnie takiej samej procedury jak przeszło sto sześćdziesiąt lat temu.
Na pierwszym etapie wyczesane z króliczego futerka włosie, jest oczyszczane i gręplowane, a potem osadzane na stalowych stożkach, gdzie pod wpływem działania wysokiej temperatury i wody ulega procesowi filcowania, tworząc powoli kaplin, który na początku jest cztery razy większy od końcowego modelu. Cały proces produkcji trwa siedem tygodni. Wszystkie czynności, a w przypadku każdego wyrobu jest ich dokładnie pięćdziesiąt dwie, wykonywane są przy użyciu ręcznie obsługiwanych urządzeń. Zawód kapelusznika jest przekazywany z pokolenia na pokolenie, wymaga uważności i pietyzmu. To dzięki tym wartościom powstała legenda cenionej w świecie marki, która prócz okresów rozkwitu miewała również słabsze momenty. Rozsławił ją niewątpliwie Humphrey Bogart i film Casablanca z 1942 roku, tym niemniej czas II wojny był dla firmy trudny i przełomowy. Wcieleni do armii mężczyźni nosili hełmy i furażerki, a koniec wojny przyniósł zmianę mody i obyczajów. To wtedy Borsalino rozwinął karierę w Hollywood. Okazuje się, że znane z westernów kowbojskie kapelusze to nie tyle tradycja Dzikiego Zachodu, co kinowa kreacja, stworzona na potrzeby fabryki snów właśnie przez firmę Borsalino. Nakrycia głowy rodem z Aleksandrii nosili również Alain Delon i J. P. Belmondo, Federico Fellini i Marcello Mastroianni, Woody Allen i Toni Servillo w nagrodzonym Oscarem filmie pt. Wielkie piękno, a także John Malkovich w telewizyjnym serialu pt. Nowy papież. W między czasie firma realizowała również inne ekskluzywne zamówienia, wśród nich błękitne meloniki dla stewardess linii lotniczych Pan Am, serię dwóch tysięcy czarnych cylindrów dla szacha Rezy Pahlaviego, zamówionych dla uczczenia 2500-lecia istnienia perskiego cesarstwa. Znacząca była też współpraca z Mediolańskim Tygodniem Mody i projekty zrealizowane z takimi kreatorami jak Gianni Versace i Krizia. Z czasem brak następców w rodzinie Borsalino sprawił jednak, że w latach osiemdziesiątych przedsiębiorstwo trafiło w ręce uwikłanych politycznie przedsiębiorców i w końcu popadło w poważne trudności finansowe, prowadzące ostatecznie wiekową firmę do upadku. Od kilku lat spółka ma nowego właściciela, holenderską firmę Haeres Equita i próbuje wykreować się na nowo, podbijając gusty dzisiejszych millenialsów, bo to oni są teraz głównym targetem firmy.
Niemal niezmieniony pozostał historyczny sklep Borsalino w centrum Aleksandrii. Panuje w nim nieco senna atmosfera, choć świadomość wagi tego przybytku z pewnością przyprawia o dreszczyk emocji. W jesienne, piątkowe popołudnie klientów jak na lekarstwo, a szczerze powiedziawszy pustki. Trochę trudno oprzeć się wrażeniu, że salon pełni bardziej rolę skansenu, a kapelusze można teraz też kupować w przyzakładowym outlecie lub przez Internet. Bardzo uprzejmy i naturalnie zachowujący się ekspedient zachęca mnie do oglądania wnętrz i przymierzania! Jakoś tak głupio jednak mizdrzyć się przed lustrem i potem nic nie kupić, dlatego po dyskretnej wizycie kieruję się do wyjścia. Moją uwagę przyciągają jednak lustra z czarno-złotym napisem Nutria, budząc nieodzownie skojarzenia ze szczeciniastymi pelisami i czapami w kształcie saganka z epoki PRL-u. Zaciekawiona, wdaję się w pogawędkę z panem subiektem. Okazuje się, że kiedyś futro nutrii miało taką samą wartość jak futro bobrowe, a jej włosie używane było w połączeniu z włosiem królika do produkcji szlachetnych filców. No proszę, wszystko zależy od kontekstu. Po chwili zauważam też dwa niewielkie drewniane regaliki na kółkach, okazuje się, że te cacka w przeszłości pełniły dość prozaiczną funkcję wózków do transportu wyrobów z jednego oddziału produkcyjnego na drugi. To prawdziwe antyki, całkiem niedawno wydobyte z otchłani fabrycznego magazynu.
Dzisiejszy zakład produkcyjny Borsalino usytuowany jest niemal w szczerym polu w miejscowości Spinetta Marengo, 7 km od Aleksandrii, to prosty budynek otoczony parkanem. Duży, przyciężkawy napis BORSALINO na dachu manufaktury niekoniecznie pasuje do dawnego stylu eleganckiej marki. Chyba miało być nowocześnie, ale wyszło tak sobie. Miałam nadzieję na zwiedzenie budynku i przyjrzenie się procesowi produkcji, zakład czasami organizuje drzwi otwarte, niestety tym razem okazało się to niemożliwe. Na szczęście jest muzeum, zainaugurowane wiosną tego roku w starym budynku fabryki w centrum miasta. Z dawnego kompleksu produkcyjnego – powierzchnią dorównującego naszej łódzkiej Manufakturze – po bombardowaniach w czasie II wojny światowej zachował się niestety tylko fragment z głównym wejściem do budynku. Do roku 1987 stał tam jeszcze komin fabryczny z oryginalnym znakiem firmowym, ale miasto zdecydowało się go wyburzyć. Straty nie może odżałować Tommaso, student historii sztuki, który oprowadza mnie po muzeum i opowiada o kapeluszach.
Tu na miejscu znajduje się ich około dwóch tysięcy. Oryginalne drewniane gabloty są autorstwa Arnalda Gardelli, projektanta całego przedwojennego zakładu produkcyjnego Borsalino. Zgromadzone dziś w muzeum witryny służyły kiedyś do przechowywania egzemplarzy wszystkich wzorów produkcyjnych powstałych od początku istnienia fabryki. Teraz eksponują historyczne modele należące m.in. do modnisia Giacomo Pucciniego, papieży Jana XXIII i Benedykta XVI, do Federico Felliniego, Johna Wayne’a, Harrisona Forda i Roberta Redforda, a także ulubione przez Franka Sinatrę modele Trilby, sławne Fedory i Mambo, berety, toczki, szapoklaki i panamy wszelkiej maści. Historia nakryć głowy to historia rozwoju cywilizacji, wydarzeń historycznych, nowych potrzeb związanych ze zmianą stylu życia, z podróżowaniem. Dowiaduję się, że kapelusz Panama pochodzi z Ekwadoru, ma status dziedzictwa kulturowego i do dziś jest tam wyplatany z włókien lokalnej palmy, a w Aleksandrii dopieszcza się jedynie detale. Il Panama początkowo został rozpowszechniony przez kupca, który miał swój skład w Panamie i przez poszukiwaczy złota podróżujących przez środkową Amerykę do Kalifornii. Dziś natomiast dobrze byłoby dysponować żyłą złota, by móc taki kapelusz swobodnie nabyć, niektóre modele, te najdrobniej wyplatane osiągają bowiem wysokie ceny. Na rozwój kapelusznictwa miał również wpływ wynalazek samochodu. Sprawił bowiem, że fasony stały się niższe, w przeciwnym razie trudno byłoby zmieścić się w pojeździe.
Wizyta w aleksandryjskim muzeum jest jak podróż w czasie. Po jej zakończeniu, przysiadam w jednej z miejscowych restauracji. Kuchnia piemoncka ma tu swoje dobre tradycje, czerwone wino Barbera świetnie komponuje się z talerzem pierożków o nazwie agnolotti, wypełnionych duszonym mięsem i oblanych sosem z tej samej pieczeni. Planuję też wizytę w cukierni Gallina, gdzie od dziesięcioleci przygotowują baci di Alessandria – kruche orzechowe ciasteczka przełożone czekoladowym kremem, które dosłownie rozpływają się w ustach. Teraz jeszcze marzy mi się tylko nowy kapelusz. Tyle, że to marzenie będzie musiało poczekać.
Bazylia, oregano, pietruszka
Trudno porównuje się dzisiejszą kuchnię grecką i włoską do kuchni starożytnych Greków i Rzymian. Powód ku temu jest prosty: wiele składników, które dziś stanowią niezwykle ważną część kuchni europejskiej takie jak pomidory, ziemniaki, papryka czy dynia, zostały przywiezione do Europy dopiero wraz z podróżami Kolumba. Rzymianie nie mogli znać wcześniej owych roślin. Istnieją jednak mimo to różne składniki, których używano w tamtych czasach i których używa się nadal. Niektóre z nich funkcjonują także pod tą samą nazwą, pod jaką znali ją starożytni Grecy i Rzymianie. Idealnym tego przykładem są właśnie nazwy roślin używanych jako przyprawy.
Bazylia
Jeśli brzmienie włoskiej nazwy basilico przywodzi na myśl słowo bazylika, to istnieje ku temu dobry powód, ponieważ oba wyrazy ostatecznie pochodzą od tego samego słowa, tj. βασιλεύς (basileús), które znaczy król. Włoskie słowo pochodzi przez łacinę od starogreckiego βασιλικός (basilikós), które jest przymiotnikiem oznaczającym (jak można już się domyślić) „królewski”. Bazylia, przyprawa szczególnie ceniona i szeroko używana, jest więc rośliną o tak dużej wartości, że została nazwana rośliną królewską, godną władców. Polska wersja, bazylia, różni się troszkę i przypomina bardziej angielskie basil, istniejąc w tej formie ze względu na to, iż słowo to do polskiego nie przywędrowało bezpośrednio z łaciny, ale zostało zapożyczone za pośrednictwem niemieckiego Basilie.
Oregano
Także oregano jest słowem pochodzenia greckiego. Przybyło przez łacińskie origanum od greckiego ὀρίγανον (oríganon), które tradycyjnie tłumaczy się jako słowo złożone z dwóch elementów: ὄρος (óros) i γάνος (gános). Pierwsze z dwóch słów oznacza górę, natomiast drugie tłumaczyć można jako jasność, radość czy świeżość. Nazwę rośliny można więc przetłumaczyć jako „świeżość gór”. Jest to nazwa, która odnosi się do właściwości rośliny i oczywiście terenu, w jakim zazwyczaj występuje. Choć jest to wytłumaczenie przyjemne, to jednak należy pamiętać, że nie jest ono akceptowane przez wszystkich i niektórzy badacze proponują także pregreckie korzenie słowa, których etymologia miałaby pozostać nieznana.
Pietruszka
Niezwykle ważna przyprawa, często używana we włoskich potrawach, czy to z mięsem i rybami, czy to z warzywami. W języku włoskim znane są również inne (poza prezzemolo) wersje nazwy tego zioła: petrosello oraz petroselino, które są bliższe łacińskiego petroselinum, które z kolei jest zapożyczeniem ze starogreckiego. Polskie słowo pietruszka, również posiadała alternatywną nazwę – piotruszka, której jednak już się nie używa. Z pewnością odsyła ona każdego użytkownika j. polskiego do męskiego imienia Piotr, tak jak robi to również włoskie petrosello, skrywając imię Pietro. Jest to skojarzenie nieprzypadkowe, bowiem obie nazwy, tj. Piotr oraz pietruszka mają to samo pochodzenie. Greckie słowo, od którego pochodzi petroselinum to πετροσέλινον (petrosélinon), nazwa złożona z πέτρος (pétros) i σέλινον (sélinon). Pierwsze słowo oznacza nic innego jak skałę i to właśnie ono jest podstawą biblijnego imienia. W przypadku drugiego słowa można spróbować odgadnąć, jaką roślinę oznacza. Nazwy w j. polskim i włoskim są w miarę podobne: sedano, seler. Z powodu podobieństwa pomiędzy dwoma roślinami – selerem i pietruszką – ta druga została nazwana „selerem, który rośnie wśród skał”.
Mini tour między smakiem a kulturą przez Abruzję i Molise
tłumaczenie pl: Natalia Bruczyńska
Ubiegłej wiosny byłem pochłonięty podróżami i obowiązkami, miałem też wyruszyć w nową pozaeuropejską przygodę życia. Jednak poczułem też potrzebę, by znaleźć czas na poznanie bogactwa naszej pięknej Italii, głównie na płaszczyźnie kulturalnej i gastronomicznej. Tak więc, w sprawdzonym wcześniej towarzystwie mojej kuzynki Ireny, zdecydowaliśmy się wyjechać na trzy dni do Abruzji i Molise. Nie ma sensu podkreślać (a robię to za każdym razem!), jak bardzo każdy region Włoch jest przesiąknięty historią, tradycjami i naturą oraz jak można spędzić w każdym z nich (o ile w ogóle można) mnóstwo czasu bez ryzyka na brak inspiracji: to jeden z niewielu pewników w życiu! Naszym pierwszym przystankiem na trasie była L’Aquila, stolica Abruzji. Malownicze miasto, nad którym góruje majestatyczny (i ośnieżony) Gran Sasso, którego rany, spowodowane niedawnym bolesnym doświadczeniem sejsmicznym, są wciąż zbyt dotkliwe. Mimo, że miasto pełne jest dzieł sztuki, architektury i życia, ta „szczególna” atmosfera jest niestety czymś równie odczuwalnym. Przy stole, wiemy, co wybrać. Na obiad królują ręcznie robione arrosticini z owczego mięsa, jest także bardzo smaczna wątróbka, a temu wszystkiemu towarzyszą bruschettoni z grzybami i kiełbasą. Późnym popołudniem ruszamy wzdłuż wybrzeża Adriatyku, w stronę urokliwego
Termoli. Mówimy o jednym z głównych miast Molise, jedynym porcie w regionie i strategicznym punkcie, z którego można zwiedzać okolicę. Z łatwością można stąd dotrzeć na wyspy Tremiti lub, udając się w głąb lądu, do oddalonego o około godzinę Campobasso. To właśnie stolica Molise będzie głównym celem kolejnego dnia, jednak nie wcześniej niż po spędzeniu przyjemnego wieczoru na spacerach między uliczkami Termoli i malowniczego Borgo Antico. Kolacja? Niezawodna pizza, a zaraz po niej taktyczny postój w cukierni. Jak już zostało wspomniane, następnego dnia udajemy się do Campobasso, trasą charakteryzującą się dużą ilością zieleni. Będąc w mieście, po przechadzce urokliwymi uliczkami, przechodzimy w stronę zamku Monforte, by podziwiać z góry otaczającą panoramę, której nieustannie towarzyszy niebo, które w połowie świeci błękitem, a w połowie wzburzoną wodą. Spacer wśród kościółków, domków i świętych sosen jest wart nawet ryzyka deszczu. Zejdźmy teraz z powrotem w dolną część miasta i udajmy się na lunch do miejsca, które lubię najbardziej, czyli do małych sklepików, gdzie zachwycają liczne wędliny, sery, regionalne desery i inne specjały. To właśnie te elementy składają się na „prostotę” (bo w sumie, co jest lepszego od dobrej kanapki?) i wykwintność posiłku w lokalu, który oferuje szeroki wybór produktów z całego Molise: nie chcesz zapełnić swojego plecaka odrobiną salsicci, soppressaty czy sera
caciocavallo, by zabrać je również do domu? Późnym popołudniem, po dalszym zwiedzaniu, wracamy do Termoli, gdzie przed kolacją wspaniałe światło i obowiązkowe gelato towarzyszą kolejnemu przyjemnemu spacerowi. Tym razem daniem głównym są cavatelli, ręcznie robione na naszych oczach przez starszą panią, niemal hipnotyzującą, gdy patrzy się jak ożywia świeży makaron. Typowe czerwone wina i inne lokalne specjały dopełniają obraz satysfakcjonującej kolacji. Trzeci i ostatni dzień: wczesnym rankiem wyruszamy w górę Abruzji, w stronę San Vito Chietino, skąd wybieramy się na spacer po Costa dei Trabocchi. Pogoda nie dopisuje, lepiej poczekać na możliwe rozpogodzenie popołudniem, więc nie mogę oprzeć się ciekawości, by postawić nogę w pobliskim Lanciano – mieście, które zawsze mi coś sugerowało, podobnie jak kilka innych miast w środkowych Włoszech. Tak jak wiele innych rzeczy, często te, które zdarzają się przez przypadek, są tymi najlepszymi. Chcę nadać absolutną wartość temu, czego tutaj doświadczyłem, bo tak naprawdę dzień mógłby się zakończyć dzisiaj rano. W kilku słowach opiszę popołudnie i wieczór, które również były niesamowite. Obfity rybny lunch (smażona ryba, paccheri z owocami morza, faszerowane kałamarnice…) w San Vito, długa malownicza ulica Costa dei Trabocchi i drewniane budynki wędkarskie, które oddają charakter tego fragmentu Adriatyku przed nocnym powrotem do Lombardii. Jesteśmy w Lanciano. Po chwili przechadzania się przez malownicze miasteczko, wchodzimy do miejsca (również po to, by schować się przed deszczem), które nas intryguje: „Sklep Wędrującego Podróżnika”.
Dużo podróżowałem w życiu, ale… naprawdę nigdy nie widziałem i nie doświadczyłem takiego miejsca jak to. Właściwie, zamiast opowiadać o miejscu, opowiedziałbym o faktycznym doświadczeniu, które ostatecznie zabrałem ze sobą do domu. Spotkaliśmy tu wspaniałych ludzi, którzy przyjęli nas jakbyśmy znali się od zawsze. Częstowali kawą, deserem, rozmawialiśmy wspólnie o wielu sprawach, przekazali nam miłość i pasję do swojej ziemi, a także sprezentowali nam księgę miasta. W środku czas się zatrzymał, więc nawet nie wiem, jak długo tam siedzieliśmy. Niestety, nadszedł czas powrotu, ale mam szczerą nadzieję, że pewnego dnia, będę mógł tam wrócić.
„Corte Polacca” Sebastiano Giorgi
Gdy tylko otworzy się zbiór opowiadań Sebastiano Giorgiego Corte Polacca. Avventure oniriche tra Venezia e Varsavia, opublikowany przez wydawnictwo Austeria, świat wydaje się lżejszy – i jednocześnie trochę bardziej niestabilny. A przynajmniej pełen niespodzianek. I to odczucie staje się jeszcze intensywniejsze, gdy damy się wciągnąć tej serii osobliwych wydarzeń naszkicowanych szczerą i ironiczną kreską twórcy komiksów – głównego bohatera – Checco, których tłem jest współczesna i XVIII-wieczna Warszawa, nieustannie jednak podszyta Wenecją.
Kontrast między stabilnością a niestabilnością jest dobrze odczuwalny z pokładu weneckiego vaporetto. W podobny sposób, w kołyszącym i hipnotycznym rytmie, połączone pozostają różne przestrzenie czasowe w sekwencji opowieści, w których poważne refleksje pełne troski o bieżące sprawy publiczne mieszają się z opisami sytuacji prywatnych niosących pocieszenie w tym zasadniczo trudnym współczesnym świecie. Dom i ukochana osoba dają poczucie stabilności (I genitori di Agata), o które trudno w przestrzeni zdominowanej przez aktualne problemy i wahającej na skraju przepaści – jak dzisiejsza Agambenowska widmowa Wenecja. Bo chociaż opowiadania z tomu Corte Polacca utrzymane są w ironicznej i lekkiej poetyce, to – na co zwraca uwagę także Alessandro Baldacci w świetnym wstępie – podszywa je melancholijny ton, zanalizowany przez autora w moim ulubionym opowiadaniu Nostalgie. Nostalgię, uczucie typowo weneckie, autor odnalazł w Polakach: „Per lungo tempo sono stato convinto che il veneziano di mezza età […] detenesse una sorta di record mondiale, o almeno europeo, di grado nostalgico. Lo pensavo finché non ho scoperto […] i sentimenti che pervadono l’animo di molti polacchi” (Nostalgie). Takich lustrzanych odbić, nieoczekiwanych powinowactw między Wenecją i Warszawą dopełniających się niczym yin i yang (Compro casa), jest więcej – jak np. porównanie między prawobrzeżną Warszawą a Giudeccą.
Dochodzi do tego poczucie widmowej nieobecności: spacery z nieobecnymi (Nostalgie) przenikają się z codziennością wenecką i warszawską. Kolejną bowiem płaszczyzną, na której bohater poszukuje alternatywy wobec dzisiejszej rzeczywistości, jest Warszawa czasów oświecenia, do której przenosi się na mocy działania leku przyjmującego funkcję magicznego środka Proppa. Nie bez przyczyny przywołuję tutaj klasycznego teoretyka bajki magicznej, gdyż świat tych opowiadań z powodzeniem można byłoby opisać w odwołaniu do struktury baśni. Baśni i jednocześnie komiksu, co zapowiada już znakomita okładka, której autorem jest Guido Fuga, twórca komiksów, współpracujący niegdyś z Hugo Prattem przy Corto Maltese.
Jogging po Parku Łazienkowskim staje się w ten sposób okazją do przeniesienia się do epoki Stanisława Augusta Poniatowskiego (Risveglio) oraz spotkań z Wenecjanami Giacomo Casanovą i Canalettem (Francesco de Futuris; Camera oscura). Checco imieniem nawiązuje do faktycznego przybysza z Włoch, pomocnika Canaletta. Nim i innymi licznymi Włochami obecnymi w Polsce czasów Stanisława Augusta Poniatowskiego zdarzyło mi się kiedyś zajmować książkowo, dlatego z tym większą ciekawością przysłuchałam się dialogom, jakie przeprowadził z nimi ich krajan–narrator. Dialogom, w których pojawi się zarówno wenecki ród Bragadin, jak i Sweet Dreams Eurythmics w formacie mp3.
Opowiadania Giorgiego mają w sobie z jednej strony niezaprzeczalny rys fantastyczny i komiksowy, z drugiej – charakteryzują się dziennikarskim zaangażowaniem w sprawy bieżące. Stąd też nie brak tu otwartej krytyki współczesnego odbioru Włoch zdominowanego przez stereotypy, Wenecji-Disneylandu, jak wspomnienia blogerki z opowiadania Tutto bene!. Recepta na rozwiązanie problemów Wenecji zawarta w opowiadaniu Veneasy uwzględnia zresztą właśnie tę powierzchowność, z jaką rzesze turystów podchodzą do lagunowego miasta.
Szukanie rozwiązań i działanie, aktywność – to cechy charakteryzujące głównego bohatera, wspieranego przez towarzyszkę życia, „una donna meravigliosa”, zdolną reagować prawdziwym entuzjazmem na niestandardowe projekty życiowe ukochanego (Catarsi). Agata zresztą jest faktyczną bohaterką tych opowiadań, stabilnym punktem odniesienia dla wszystkich innych postaci kobiecych – współczesnych i oświeceniowych – pojawiających się w opowiadaniach.
Bo choć tekstom tym rytm nadaje falująca niepewność bytu, tożsamości i przyszłości, to wycieczkom, wyjazdom i poszukiwaniom towarzyszy zawsze gest powrotu do stabilnego świata określonego przez prawdziwe uczucie. Powrotu do Warszawy, powrotu do Wenecji.
Lamborghini 350 GT – Był sobie Człowiek
Ferruccio Elio Arturo Lamborghini miał zaledwie 32 lata, gdy w 1948 zakładał firmę produkującą traktory – Lamborghini Trattori. Nieco wcześniej skonstruował dużo lżejszy i mniejszy traktor ,,Carioca”, był on także dużo tańszy niż maszyny oferowane przez konkurencję. Opatentował ciekawe rozwiązanie pozwalające na rozruch silnika benzyną a następnie przejście w tryb pracy już na ropie, która oczywiście była dużo tańsza. Niższe koszty produkcji były także efektem kupowania silników z demobilu, co szybko przysporzyło nowej firmie licznych klientów. W następnych latach kolejne wersje traktorów w tym te gąsienicowe zaczęły podbijać rynki nie tylko Włoch, ale całego świata. Na początku lat 60. ubiegłego wieku, Ferruccio był już osobą na tyle zamożną, że mógł sobie pozwolić na jazdę autami z Maranello, które bardzo lubił i posiadał ich kilka, do tego dochodziły inne, jak dwa Maserati 3500GT, które kupił dzień po tym jak na autostradzie został wyprzedzony przez ten właśnie samochód. Zawsze jednak narzekał, że te wszystkie sportowe auta mogłyby być lepsze, a przede wszystkim szybsze. Do jednego z nich miał jednak poważne zastrzeżenia było to Ferrari 250GT 2+2 [1962], a ściślej mówiąc praca jego sprzęgła. Teraz dochodzimy do historii, którą jedni fani motoryzacji biorą za miejską legendę, inni za fakt historyczny. Tę drugą wersję potwierdza w swojej książce ,,Ferruccio Lamborghini: la storia ufficiale” jego syn Tonino. Otóż podczas spotkania z Enzo Ferrarim poinformował go o tym, że samochód jest świetny ale niestety całą radość z jego korzystania rujnuje wadliwe sprzęgło. Ferrari w typowy nieznoszący krytyki sposób odparł ,,Drogi inżynierze, niech pan się zajmie swoimi traktorami, nam pozostawiając samochody”. Tu mamy miejsce na mit założycielski Automobili Lamborghini wskazujący, że do założenia nowej marki samochodowej wystarczyła urażona duma Ferruccio . Możliwe, że była to ,,iskra podpalającą lont”, jednak tak doświadczony przemysłowiec, któremu nie straszne były nowe wyzwania w różnych branżach [od 1959 działała jego kolejna firma Lamborghini Bruciatori, produkująca kotły gazowe i klimatyzatory], ale także jako biegły mechanik spostrzegł, że sprzęgło jego traktora było tych samych wymiarów, więc idealnie pasowało do tego modelu Ferrari. Działało za to o wiele płynniej niż oryginał i co kluczowe w tej historii było aż 10 razy tańsze. Czyli tak naprawdę, to jak dużo można zarobić na produkcji aut sportowych dla przedsiębiorczego Lamborghini był o wiele większym bodźcem do zainwestowania w tej branży, niż chęć zrobienia na złość Enzo Ferrariemu. Do nowego biznesu bardzo sceptycznie podchodzili ludzie z otoczenia Ferruccio, pracownicy, banki a nawet jego druga żona Anita [pierwsza, Clelia Monti, zmarła w 1947 w trakcie porodu Tonino] była przerażona tym pomysłem. Wszystkich tych ludzi Ferruccio przekonywał deklarując ,,Jeżeli zbuduję samochód, który spełni moje oczekiwania z pewnością zadowoli on także wszystkich innych”. Aby uspokoić Anitę, która zarządzała domowym budżetem, wpadł na przewrotny pomysł, nową fabrykę powstałą w 1963 w Sant’Agata Bolognese, całkiem niedaleko miejsca swoich narodzin, sfinansował rezygnując z kosztownej kampanii reklamowej swoich traktorów, które miały pojawić się na bilbordach w całych Włoszech. Zaryzykował miliard lirów, twierdząc, że jego samochody będą o wiele lepszą reklamą dla produktów z logo Lamborghini. Jakże to było prorocze, wystarczy dzisiaj zapytać rolników czym wyjeżdżają do prac w polu, niektórzy odpowiedzą traktorem, ale inni z dumą i uśmiechem powiedzą … Lamborghini. Na traktorach znakiem firmowym był prosty, bardzo czytelny napis ,,Lamborghini”, natomiast nowa marka supersamochodów potrzebowała czegoś wyjątkowego. Kolejny przebłysk geniuszu marketingowego Ferruccio, urodzonego pod znakiem zodiakalnego byka, pasjonata korridy, trochę naśladując sukcesy Ferrari czy Jaguara, również wybrał na logo motyw zwierzęcy. Został nim nieustępliwy, silny, szarżujący andaluzyjski byk. Lamborghini nie był przesądny, choć przecież po walce na arenie, zazwyczaj przy życiu pozostaje torreador, na szczęście jak pokazują dalsze losy firmy nie tym razem. W 1963 Corrado Carpeggiani, prawa ręka Ferruccio dostał zadanie ściągnięcia do nowego projektu najlepszych specjalistów w branży. W zaledwie 6 miesięcy powstał prototyp 350 GTV, do którego Bizzarrini zaprojektował silnik nie tyle sportowy, co wręcz wyczynowy i było to przesadą według Ferruccio. Zdecydowano utemperować jego moc i osiągi, co oprotestował Bizzarrini, odchodząc z projektu. Dalsze prace nad mechaniką i napędem prowadzili Giampaolo Dallara i Paolo Stanzani. Prototyp GTV z karoserią Franco Scaglione pokazano na targach w Turynie, gdzie wzbudził duże zainteresowanie, jednak produkcyjny model, który debiutował po kilku następnych miesiącach w Genewie jako 350 GT znacznie się różnił od poprzednika, za co odpowiadała firma Touring. Auto rozmiarami i typem nadwozia coupe 2+2 przypominało Ferrari 250 z tym ,,feralnym sprzęgłem”, czyżby to była ta ,,rękawica” rzucona przez Lamborghini pod stopy króla z Maranello? Nowa marka została przyjęta entuzjastycznie i tylko pomyśleć, że gdyby Enzo wziął pod uwagę wskazówki jakich udzielił mu dwa lata wcześniej konstruktor traktorów, być może nie straciłby wiernego klienta, a w kolejnych latach całą ich rzeszę, wtedy jednak zwyciężyła pycha. Pomyślcie tylko, co musiało się dziać w Maranello, gdy Frank Sinatra, najjaśniejsza gwiazda Hollywood tamtych czasów, jeżdżąc od 1967 nowym modelem z Sant’Agata, kultową Miurą, powiedział ,,Jeśli chcesz być kimś kupujesz Ferrari, gdy już taką osobą jesteś, jeździsz Lamborghini”! Miura [GI 68 lub na stronie www GI] była autem, które nakazało wszystkim wielkim, poczynając od Benz’a, przez Forda, Porsche, Ferrari itp., by zrobili miejsce dla Ferruccio na ,,Olimpie motoryzacji”. Gdy Miury zapragnęli wszyscy, nagle wstrzymał produkcję [762 egz.] twierdząc, że dzieło sztuki nie powinno być zbyt powszechne, trzeba go pożądać. Ponownie zaskoczył w 1971 roku surrealistycznym prototypem Countach LP500, jednak nie zrealizowany kontrakt na traktory do Boliwii mocno uszczuplił finanse również Automobili Lamborghini. W 1972/73 sfrustrowany strajkami oraz stratami, jakie poniósł przy wdrażaniu modelu P250 Urraco, postanowił sprzedać firmę szwajcarskim przedsiębiorcom. Znowu zmienił branżę, wracając do rodzinnych korzeni, czyli uprawy ziemi, założył pod Panicale w Umbrii ,,Tenuta Fiorita” winnicę, którą do dziś zarządza jego córka Patrizia, a ich sztandarowe wino mieni się etykietą ,,Sangue di Miura”. Ferruccio zmarł 20.02.1993 w Perugii dokładnie 30 lat po stworzeniu jednej z najbardziej rozpoznawalnych firm na świecie. Lamborghini zarządzał swoją firmą zaledwie 11 lat. Modele, które powstały pod jego egidą: 350GT, 400 GT 2+2, Islero, Espada, Jarama, Urraco, a przede wszystkim Miura i wtedy jeszcze koncepcyjny Countach LP500 były podwaliną i solidnym fundamentem legendy tej firmy i jej siły w dniu dzisiejszym. Ot, był sobie Człowiek!
Wszyscy miłośnicy marki Lamborghini zapewne chcieliby odwiedzić przyfabryczne muzeum w Sant’Agata Bolognese, obecnie noszące nazwę Mudetec [sic!], czyli Museo delle tecnologie, przyznacie dziwny pomysł. W tym roku świętują 60 rocznicę powstania firmy, pokazując głównie modele najnowsze, jednak w kontekście tego tekstu polecam może mniej wymuskane i sterylne, Museo Ferruccio Lamborghini, nad którym pieczę sprawuje Tonino, położone jest 25 km na wschód w Casette di Funo. To tam można zobaczyć wszystkie pasje Ferruccio, a więc traktory – pierwotna Carioca, łodzie np. Offshore Fast 45 Diablo, której silnik zdobył 11 razy mistrzostwo świata, prototyp śmigłowca, oczywiście samochody, w tym czerwoną należącą do Ferruccio Miurę SV z rzęsami jak w prototypie, a to tylko jeden z 12 unikatowych w skali świata eksponatów.
Model Ricko jest u mnie już ponad 10 lat i nie widać tu żadnych przebarwień czy innych oznak starości. Może jest zbyt słabo spasowany, może ma zbyt jaskrawe chromy, ale szczegóły silnika są bardzo zadowalające. Niedawno pojawił się model firmy KK Scale, Lamborghini 400GT, czyli następcy 350GT. Oryginalnie auto miało podniesioną pojemność silnika i lepsze osiągi, jednak zewnętrznie niemal nic nie zmieniono. Skoro jest to model zamknięty wolę pozostać przy swoim Ricko.
Lata produkcji: 1964 – 66
Ilość wyprodukowana: 135 egz.
Silnik: V-12 60°
Pojemność skokowa: 3464 cm3
Moc / obroty: 276 KM / 6500
Prędkość max: 249 km/h
Przyspieszenie 0-100 km/h (s): 6,4
Ilość biegów: 5
Masa własna: 1451 Kg
Długość: 4640 mm
Szerokość: 1730 mm
Wysokość 1220 mm
Rozstaw osi: 2548 mm
Dziewczyna i szachy. Mistrzowska rozgrywka Sofonisby Anguissoli
Malowała niemal same portrety. Miała pięć sióstr i ojca-humanistę, który w czasach, gdy podstawowym obowiązkiem kobiety było wyjść za mąż i rodzić dzieci, zapewnił swoim córkom staranne wykształcenie. Jej malarstwo znali Michał Anioł, Peter Paul Rubens, Caravaggio i Anton van Dyck. Sofonisba Anguissola używała czystych, mocnych barw, doskonale rysowała i potrafiła uchwycić charakter portretowanej osoby. Dzisiaj jej obrazy są niewątpliwym skarbem wielu kolekcji. Szczęśliwie w polskich zbiorach posiadamy dwa dzieła Anguissoli. O „Autoportrecie przy sztaludze” ze zbiorów zamku w Łańcucie pisaliśmy w 2020 roku. Tym razem przedstawiamy jej „Grę w szachy”, obraz z kolekcji Fundacji Raczyńskich na stałe prezentowany w Muzeum Narodowym w Poznaniu.
Dzieło powstało we wczesnych latach twórczości Sofonisby, gdy malarka miała zaledwie dwadzieścia trzy lata. Przedstawia trzy siostry przy stoliku szachowym i piastunkę przyglądającą się scenie. Wiemy dokładnie, kto znajduje się na obrazie, bowiem artystka sygnowała go w ciekawy sposób. Na obrzeżu szachownicy znajduje się inskrypcja po łacinie: „Panna Angussola, córka Amilcara, namalowała z natury swoje trzy siostry i piastunkę”.
„Grę w szachy” określa się jako grupowy portret kobiecy zaaranżowany na scenę rodzajową, ale także dzieło o narracji metaforycznej. Dodatkowo jest to obraz namalowany przez kobietę, co pozwala sytuować go w obszarze badań feministycznej historii sztuki. W XVI-wiecznej Italii, tak jak w całej Europie, kobiety nie miały wstępu na uczelnie wyższe i jeśli się kształciły, to jedynie dzięki decyzji ojców, jak w przypadku Sofonisby. Nie było to jednak aż tak rzadkie, jak się powszechnie uważa. Wykształcone kobiety w Italii były cenione, uczyły się w warsztatach ojców lub własną pracą zdobywały uznanie mecenasów, bądź miejsce na uniwersytecie. Tak było w przypadku Elisabetty Sirani, Lavinii Fontany i Artemisii Gentilleschi. Sofonisba podporządkowała się regułom epoki, ale dzięki talentowi i ciężkiej pracy do końca życia zarabiała na utrzymanie malarstwem. Przyczynił się do tego jej ojciec.
Amilcare Anguissola świadomie wysłał córkę na naukę malarstwa i wkrótce bardzo intensywnie zajął się jej karierą. Rozsyłał listy, polecał malarstwo Sofonisby na dworach arystokratów, zabiegał o zlecenia, sprzedawał obrazy. Zaangażował się pełnym sercem, co wkrótce przyniosło efekty, bo dzięki jego staraniom młoda malarka została zatrudniona przez dwór w Madrycie. W swoich czasach jako kobieta malująca i utrzymująca się z pracy własnych rąk była jednak osobliwością. Wszelkie dokumenty z epoki ukazują malarkę jako osobę szanowaną przez dwór królewski, a także przez całe środowisko, głównie arystokratyczne, z którym miała do czynienia. Ceniono jej malarstwo za umiejętność uchwycenia emocji w twarzach portretowanych osób, za świadomy dobór barw, elegancję i realizm.
„Gra w szachy” to ciepła scena domowa dokumentująca fragment życia rodziny malarki. Co możemy z niej wyczytać? Przede wszystkim obraz pokazuje dziewczyny z domu arystokratycznego, o czym świadczą ich ubrania, fryzury, obecność piastunki i zajęcie, któremu się oddają. Od lewej siedzi Lucia, pośrodku najmłodsza Minerva, a po prawej Europa. Stara piastunka została ukazana jako wychylająca się zza prawej krawędzi obrazu. Ciekawe jest to, że pierwotnie artystka przewidziała jej postać z drugiej strony, co wykazały badania konserwatorskie. Piastunka została jednak zamalowana, a następnie jej wizerunek powstał z prawej przykrywając część pejzażu. Każda z dziewcząt ma modny strój z jedwabiu, aksamitu, jedwabnego adamaszku, batystu. Skromnie upięte i gładko zebrane z czoła włosy są ozdobione opaskami z perłami, a szyje złotymi łańcuszkami.
Niektórzy badacze sugerują, że obraz może być traktowany jako alegoria różnych etapów życia kobiety. Bardziej właściwe wydaje się być rozpatrywanie innego znaczenia obrazu. Młode dziewczyny grające w szachy, czyli jawnie prezentujące swoje intelektualne umiejętności? Jeszcze kilka dekad wcześniej szachy były grą przeznaczoną w zasadzie dla mężczyzn. Pod koniec XV wieku, podczas wypraw odkrywczych i kolonizacyjnych finansowanych przez Izabelę, królową katolicką, szachy stały się intelektualną rozrywką powszechną w kręgach arystokratycznych. Stało się tak ze względu na zmiany w regułach tej starej gry. Pionek królowej zyskał największą swobodę ruchu, co być może należy rozpatrywać pod kątem symbolicznym, jako honor dla królowej Izabeli. Szachowa rozgrywka stała się bardziej dynamiczna i zapewne z tego powodu cieszyła się coraz większą popularnością. Była tym, co wymagało sprawności intelektu, a więc pokazanie na obrazie swoich sióstr zorientowanych w zasadach i spędzających czas na grze w szachy było prawdopodobnie dokładnie przemyślanym działaniem. Symbolicznie szachy łączy się z mądrością, strategią, logiką, a więc cechami, których kobietom nie przypisywano. Szachownicę porównywano do świata, a Sofonisba, wychowana w mieście, w którym kultura Niderlandów była znana, na pewno rozpoznawała elementy emblematyki. Emblematy rozwinęły się na początku XVI wieku w Holandii, ale ich źródeł należy doszukiwać się już w starożytności, a we Włoszech w pierwszej połowie XV wieku. Były to trójczłonowe dzieła składające się z motta, rysunku oraz epigramu, najczęściej w formie czterowiersza. Powszechnie stosowali je tacy artyści, jak Dosso Dossi i Johannes Vermeer. Niektóre ich obrazy można odczytywać niczym skomplikowane narracje erudycyjne. Oprócz emblematycznego znaczenia Sofonisba być może sięgnęła po wzorzec literacki, a konkretnie po poemat „Szachy” wydany w Cremonie w 1527 roku autorstwa biskupa i humanisty Marca Girolama Vidy. Opisał on rozgrywkę pomiędzy olimpijskimi bogami, gdzie szachownica stała się polem śmierci. Zgodnie z emblematyką Vida w szachowym poemacie zwrócił uwagę na metaforyczne znaczenie. Bóg po zakończonej partii zbierał pionki do worka. Symbolicznie zatem figury pokonane musiały się znaleźć we władaniu śmierci. Szachy, jako rozrywka dworska wskazująca na mądrość gracza, były więc także kojarzone ze sprawami ostatecznymi.
Amilcare i jego żona Bianka wkładali mnóstwo wysiłku w zapewnienie wykształcenia wszystkim córkom, którym nadali imiona nawiązujące do historii starożytnej Kartaginy. Sofonisba otrzymała imię kobiety ze znakomitego kartagińskiego rodu, oświeconej i wielkiej urody, jak pisał w biografiach słynnych kobiet Boccaccio. Rodzina Anguissola obracała się w kręgach humanistów, ludzi wykształconych, twórców, wybitnych w swoich czasach autorów pism filozoficznych i dydaktycznych. Wiele osób z tego środowiska było przekonanych o konieczności edukowania kobiet. Dziewczęta zatem wzrastały w poczuciu własnej wartości, ale świadome tego, że o każdy aspekt życia poza małżeństwem i macierzyństwem trzeba będzie zawalczyć. Sofonisba doskonale zdawała sobie z tego sprawę i przedstawiła swoje siostry jako osoby wykształcone i pochodzące z wysokiego rodu. Zapewne dlatego stroje są tak wyszukane, a dziewczynki oddające się popołudniowej rozrywce, noszą perły, złoto i kosztowne adamaszki. Stół jest pokryty wschodnim kobiercem o typowym dla Anatolii wzorze zwielokrotnionych ośmiokątów. Wszystkie te elementy świadczą o wysokim statusie rodziny. Cremona znajdowała się wówczas pod rządami Habsburgów, które utrzymywały stosunki gospodarcze i kulturalne z rozwijającymi się Niderlandami. Wpływ sztuki z północy Europy, gdzie malarze szczególną uwagę poświęcali na malowanie tkanin jest widoczny także w tym obrazie. Możemy rozpoznać skomplikowane wzory tkackie, rodzaj materii, hafty, lamówki, koronki, a nawet rodzaj ściegów. Bywając w domach ludzi oświeconych i w posiadłościach włoskich arystokratów baczne oko Sofonisby na pewno dostrzegło niejeden obraz mistrzów niderlandzkich.
Dzieło znajduje się w polskich zbiorach od 1823 roku, kiedy książę Atanazy Raczyński zakupił je w Paryżu za trzy tysiące franków.
„Gra w szachy”, poza tym, że to intymna scena z życia rodzinnego, jest zatem po wielekroć cennym dziełem dla współczesnych badaczy sztuki renesansowej. Biorąc pod uwagę każdy aspekt: malarskość, realizm, scena codzienna, alegoryczne znaczenie, świadectwo epoki, historię feminizmu, erudycyjne treści i pewnie wiele innych, Sofonisba Anguissola po mistrzowsku rozegrała obraz.
Sofonisba Anguissola, Gra w szachy, 1555, olej i tempera na płótnie, wymiary 72 x 97 cm, Fundacja im. Raczyńskich przy Muzeum Narodowym w Poznaniu
Podczas pisania korzystałam z książki Danieli Pizzagalli „Sofonisba. Pierwsza dama malarstwa” i katalogu wystawy „Brescia. Renesans na północy Włoch”.
Odkrywając Asti i „katedry” Canelli
tłumaczenie pl: Alicja Liberadzka
Od podziemnych „katedr” Canelli po bąbelki, które zdobyły świat, Asti to pierwsze włoskie wino musujące, które dzisiaj eksperymentuje także z miksologią.
Wino jest integralną częścią historii danego obszaru i społeczności. Wnika głęboko w zakamarki krajobrazu, kształtując jego oblicze i konfigurację. Jednak we Włoszech są miejsca, które doświadczyły przemian nie tylko na powierzchni, ale także pod ziemią.
Canelli to jedno z tych miejsc, ponieważ pojawienie się win musujących – Asti z pewnością jest obszarem, który napisał historię włoskich bąbelków – doprowadziło do stworzenia prawdziwych „podziemnych katedr”, w których do dziś dojrzewa wino DOCG, noszące nazwę tej miejscowości.
Katedry są prawdziwym ukrytym skarbem, miejscem, które zachwyca i fascynuje. Te jaskinie, splecione z historią i kulturą regionu, ze swoimi majestatycznymi kamienno-łukowymi sklepieniami, mrocznymi nawami i zawiłymi przejściami prowadzącymi do świata zawieszonego w czasie, emanują ujmującą atmosferą, łącząc przeszłość z teraźniejszością. Ich eksploracja to podróż do samego serca tradycji i winiarskiego powołania Canelli.
Te ogromne jaskinie pod ziemią w Canelli, chronione jako dziedzictwo UNESCO, zostały wydrążone w celu przechowywania wina. Tunele znajdują się na głębokości aż 32 metrów i przecinają całe wzgórze Canelli, tworząc sieć, która rozciąga się pod miastem na ponad 20 kilometrów. Na przestrzeni wieków podziemne katedry były rozbudowywane i ozdabiane, stając się prawdziwymi arcydziełami architektury.
Obecnie wiele z tych katedr jest otwartych dla zwiedzających, a winnice produkujące wina musujące szczycą się nimi jako atrakcyjnym elementem oferty enoturystycznej. Przede wszystkim warto wymienić winnice Bosca i Gancia (gdzie w 1865 roku wyprodukowano pierwsze włoskie wino musujące), ale także winnice Contratto i Coppo.
MILIONY BĄBELKÓW Z ASTI NA CAŁYM ŚWIECIE
„Katedry” dziedzictwa UNESCO stanowią symbol tego obszaru i jego win, ponieważ to właśnie w tych jaskiniach, wydrążonych przez ludzkie ręce, narodził się włoski „szampan” (wówczas tak go nazywano). Asti spumante to bowiem wino stworzone metodą klasyczną, dzięki przedsiębiorczości Carlo Gancia, który w 1865 roku „zdobył” enologiczne tajniki w Szampanii i przywiózł do Piemontu technikę podwójnej fermentacji. Jednak pod koniec XIX wieku zostało ono przekształcone przez Federico Martinottiego, wówczas dyrektora Instytutu Doświadczalnego Enologii w Asti, który opatentował drugą fermentację w autoklawie.
Od tamtego czasu do kieliszków wylały się rzeki Moscato, a uniwersum Asti opanowało świat bąbelków wraz z winnicami, które napisały historię komunikacji reklamowej w branży winiarskiej.
Dziś najstarsza włoska denominacja musująca produkuje 100 milionów butelek, z których 90% jest eksportowane na stoły całego świata. Jako że Canelli jest kolebką Moscato d’Asti, od czerwca 2023 roku ma także status DOCG. Winogrona z winnic składających się wyłącznie z odmiany białego moscato, które wchodzą w skład nowej Denominacji, pochodzą z 17 gmin wokół miasta, stanowiąc przejście między Langhe a Monferrato.
W międzyczasie obyczaje ewoluują, a Asti, świętując chwałę stuletniej historii, obserwuje współczesną konsumpcję i stawia na kartę miksologii. Od lat Konsorcjum promuje aromatyczne i lekkie wino jako świeży składnik w koktajlach, które mogą opowiadać o regionie w nowy sposób, być może w połączeniu z Wermutem, inną winną specjalnością, która w Piemoncie znalazła swoją unikalną tożsamość.
Siódma edycja Nagrody Gazzetta Italia 08/02/2024